Упрощенная HTML-версия
220
Для модерна характерно утверждение идеи самодовлеющей ценности искусства
(искусство для искусства) и определяющего значения эстетической составляющей
художественного творчества. Отсюда проистекает частое
соединение символической идеи и
декоративного мотива, преобладание плоского цветового пятна, гибкой линии, которые не
выделяют объема, а сливают их с плоскостью, выдвигая декоративно-узорное начало.
Влияние модерна сказывается в исторических полотнах
В. А. Серова («Петр I»
1907 г.). Однако наиболее сильно отход от классических канонов проявился в картине
«Похищение Европы»
(1910 г.), живопись которой ничем не напоминает манеру раннего
Серова.
Более яркое выражение в русской живописи приобрёл
символизм
(одно из
направлений модернизма в русской живописи). Творчество художников-символистов в корне
отличалось от творчества передвижников. Символисты использовали сложные, противоречивые
образы, которые лишь косвенно отображали действительность, без иллюстративности и
назидательности, так свойственных для передвижников. Другими словами, образы, созданные
символистами нельзя понимать буквально. Они наделяются множеством смыслов. Одни -
внешние, всем понятные, другие - скрытые, доступные только посвящённым. Символисты лишь
условно обозначали предмет, вызывая у зрителя определённые ассоциации, побуждая его
фантазировать. Символисты погружали человека в мир грёз и видений. Они предлагали
романтическую мечту вместо бездуховной обыденности жизни. Художники-символисты искали
гармонию и красоту в окружающем мире, который, по сути, чужд гармонии и красоте. Поэтому
свою миссию они видели в воспитании чувства прекрасного в людях.
Наиболее значительным и самобытным представителем
символизма
и
модерна
в
русской живописи считается
Михаил Александрович Врубель
(1856-1910). Он родился в городе
Омске, в семье военного юриста. С1874 по1889 Михаил Александрович учился на юридическом
факультете Петербургского университета и в то же время с 1880 по 1884 — в Петербургской
Академии художеств. В 1884 — 1889 гг. художник находился в основном в Киеве. Уже тогда, в
киевский период, сформировалась особая манера мастера: кристаллический рисунок, дробящий
мир на орнаментальные полоски, и искрящийся колорит красок от фиолетового до золотого. Там
же ему предложили реставрировать Кирилловскую церковь XII века, где он исполнил ряд
композиций. В их числе икона «Богоматерь с младенцем», в которой он соединил средневековый
канон с психологизмом современности. Главным достижением киевского периода стали эскизы
росписей Владимирского собора. Со времен иконописи русская живопись не знала цветовых
гамм, обладающих такой силой воздействия на зрителя.
Однако не только вера, но и
мучительные сомнения проявились в работах Врубеля. Поэтому эскизы художника смутили
священников и остались неосуществлёнными в большом масштабе, на стене.
Обращение Врубеля к вечным темам, почерпнутым из культуры античности,
средних веков и эпохи Возрождения, таинственность, мистичность, полотен Врубеля (
«Демон»
1890 г.,
«Царевна-лебедь»
1900 г.), особая техника живописи, сближает творчество художника
с установками представителей символизма. Одновременно поиски высокого стиля,
универсальность, склонность к орнаментальным решениям (керамическое панно «Принцесса
Грёза» на фасаде гостиницы «Метрополь») сближают его с модерном.
Мощные цветовые контрасты и пластическая напряженность форм достигают
кульминации в теме Демона, которая была навеяна одноимённой поэмой М.Ю. Лермонтова. В
своих иллюстрациях к этой поэме Врубель смог отразить историю трагедии одинокого титана-
честолюбца. В «Демоне» (1890) искусительно-прекрасный герой изображен в меланхолическом
оцепенении среди самоцветно мерцающих скал, а в «Демоне поверженном» (1902; обе — в
Третьяковской галерее) его изломанная фигура, сорвавшаяся с заоблачных высот, уже зримо
агонизирует, заражая весь мир вокруг себя фосфоресцирующей красотой последнего заката.